Estudio de la pintura

Podemos definir la PINTURA como el arte de aplicar colores sobre una superficie, mientras que el DIBUJO es la representación gráfica por medio de líneas, trazos, sombras.
Partiendo de esta definición, diremos que la pintura es ante todo COLOR, y generalmente se desarrolla en un plano, aunque en Occidente es frecuente que finja la 3ª dimensión gracias a los artificios de la PERSPECTIVA y el CLAROSCURO.
En este sentido, distinguiremos los siguientes conceptos:
- CLAROSCURO = Contraste de luces y sobras en una pintura para aparentar profundida, para contrastes expresivos, usado exageradamente en el Tenebrismo.
- PERSPECTIVA LINEAL = Aparantar profundidad por medio del dibujo, haciendo que las líneas paralelas converjan en un punto situado en la línea de horizonte.
- PERSPECTIVA AÉREA = Aparentar profundidad pintando de grises los objetos cuanto más lejos estén del espectador.

La mayoría de procedimientos se elaboran añadiendo un elemento denominado AGLUTINANTE, al PIGMENTO o color en polvo. El aglutinante es el determinante del procedimiento.

Destaquemos ahora los diferentes estilos pictóricos:
- El FRESCO se realiza estando el revoque o muro húmero. Este revoque o revoco contiene cal apagada y arena. La pintura se aplica mezclada con agua de cal, lo que facilita su intgración en el muro. Al secar se obtiene carbonato cálcico, que es tremendamente resistente a los agentes exteriores; esta circunstancia permite el empleo del fresco en decoraciones al aire libre.
El uso del agua de cal hace que todos los colores queden levemente blanqueados, lo que proporciona gran luminosidad a la pintura. No puede pintarse cuando el muro está ya seco porque habiendo fraguado el revoque ya no se integraría la pintura; por eso hay que acometer la obra por tareas que se acabarán cada jjornada, lo que obliga a una técnica ágil y eficaz. Con el paso de los años es frecuente apreciar en el mural terminado las uniones de esas tareas.


Fresco (Micenas)

- La ACUARELA no utilza el blanco como pigmento. Todos los colores dejan transparentar más o menos el papel, lo que proporciona al procedimiento una luminosidad sólo aventajada por las vidrieras. Para extender el color se utiliza exclusivamente agua, por lo que seca rápidamente, ello obliga a una técnica rápica, suelta, que le da un aspecto inconfundible y muy personal.


Turner, "Barborough castle"

- La TÉMPERA utiliza el agua temperada o templada como ayuda para extender el color, pero a diferencia de la acuarela (con quien tiene puntos en común) utiliza el pigmento blanco. Los colores son opacos y algo apagados, pero un color claro puede aplicarse sobre uno oscuro, lo que no es posible en acuarela.


Virgen con niño y Santa Apolinia y San Sebastián de Davide Ghirlandaio

- El TEMPLE, al utilizar huevo, es más brillante y lento de secar, lo que facilita los modelados. En el siglo XV se le añade aceite, formándose así el TEMPLE GRASO, que es más flexible y facilita la pintura altamente realista.


Thaw de Valerie Shesko

- El ÓLEO es el procedimiento más lento en secar de todos los conocidos; ello permite un trabajo sosegado y que puede interrumpirse siempre que se queira, sin perjuicio par ala obra. La bondad del procedimiento lo hace convertirse casi en exclusivo a partir del siglo XVI. El mayor inconveniente lo ofrece el oscurecimeinto de los aceites que incorpora, sobre todo cuando el cuadro se halla en locales mal iluminados. Señalar que los pintores flamencos del siglo XV encontraron un secativo o secante.


Crepúsculo en el mar de Maruchi Ripoll

- La ENCÁUSTICA fue utilizada por los antiguos, que conocian bien las propiedades de las ceras. Pero no se dabe hasta qué punto se utilzó para pinturas murales y más bien parece que sólo se empleó para proteger pinturas al fresco. En el siglo XIX con el descubrimiento de las pinturas pompeyadas se avivó el interés por este procedimiento al creerse que alguans pinturas romanas fueron hechas así. El procedimiento exige calor par afundir la cera, a la que se añade resina para darle más dureza. La paleta es metálica y se coloca sobre una estufa; de igual modo las espátulas y pinceles metálicos deben estar calientes.
Una versión muy manejable de este procedimiento, y bien conocida, la constituyen los lapiceros de colores o las ceras de color que todos hemos usado en el colegio.


Antítesis de Eric Noneli

- Los modernos ACRÍLICOS utilizan como aglutinante el ácido acroleico. Participa de las ventajas del temple y del óleo, sin embargo la capacidad de cubrir un color sobre otro es inferior, por lo que su uso se limita a técnicas particulares.


Tragicalasca de Eric Noneli

- El MOSAICO no utiliza pigmentos. El color lo proporcionan directamente las teselas o piezas pequeñas de piedra, vidrio o metal, con las que realmente se "pinta". El artista dispone de kuna abundante variedad de peizas, en cuanto a color y tamaño se refiere; sobre un dibujo previo hecho en papel, y en posición horizontal, se colocan las teselas configurando las formas. Posteriormente se encolan papeles sobre el trabajo acabado para poder trasladarlo así al muro que tiene la argamasa preparada. Una vez fraguada ésta se desencolas los papeles de sujeción y transporte para proceder a la limpieza y acabado final.
Tenemos diferentes tipos de mosaico, dentre los que destacamos:
1. OPUS SECTILE = Yuxtaposición de grandes piezas de mármol de distintos colores, siguiendo a un modelo previo.
2. OPUS SIGNINUM = Incrustación de teselas en un pavimento liso antes de que este fragüe.
3. OPUS TESSELLATUM = Con teselas cúbicas y regulares.
4. OPUS FERMICULATUM = Con teselas irregulares adaptadas a las necesidades.


Virgen María en la Basílica de Santa Sofía (Estambul)

- La VIDRIERA se trabaja igual que el mosaico, es decir, sobre un plano horizontal y sobre un dibujo previo en el que se han diseñado los cortes de los vidrios y el sombreado que se ha de dar a las figuras. Una vez cortados los vidrios (del color que conviniere) se pintan las sombras, o algún otro color, con pigmentos que se fundan a muy alta temperatura. Este mosaico de vidrio se lleva al horno donde, al fundirse, el color se integra en el vidrio. Posteriormente, se recompone el mosaico, se unen sus bordes con plomo, se arma sobre hierros sólidos y se lleva al ventanal, o bien se une con cemento armado. Ciertos colores se objetienen superponiendo 2 ó 3 tonos, con lo que la transparencia y brillantez es mayor.


Vidriera de la Iglesia de Nôtre Dame de París

Por último... podemos resumir como ELEMENTOS TÉCNICOS DE LA PINTURA:
- Pigmento y agua de cal = FRESCO = En muro revocado con estuco.
- Pigmento y goma = ACUARELA = En papel blanco.
- Pigmento y cola = TÉMPERA = En papel o estuco.
- Pigmento y huevo = TEMPLE = En madera o tela.
- Pigmento y aceite de lino o de nueces = ÓLEO = En madera, tela, papel, metal o piedra.
- Pigmento, resina y ceras = ENCÁUSTICA = En muros, telas y madera.
- Pigmento y ácido acroleico = ACRÍLICOS = En madera, tela, pepel, metal y piedra.
- Teselas diversas = MOSAICO = En muros y suelos.
- Vidrios coloreados = VIDRIERA = En huecos.

En conclusión señalar que tanto los mosaicos como las vidrieras son considerados como artes menores o industriales.

Siempre que estemos ante un cuadro, además de ver la belleza de la obra, que eso dependerá del gusto de cada uno, obviamente... si queremos analizarla deberemos observar varios factores para descubrir tanto el estilo como su arte personal, a saber:
1. Dibujo.
2. Color.
3. Luz.
4. Profundidad.
5. Composición.
6. Concepción del tema.

EL DIBUJO:
Es la técnica o procedimiento por el que se crea la obra, es decir, cuando las formas vienen definidas por bordes que las limitan.
Hay pintores que enfatizan el aspecto lineal de su pintura, con lo que pierde corporeidad y gana ingravidez.
En otros casos, el dibujo puede ser tonal, es decir, con aplicación de claros y oscuros, lo que presta a las formas un aspecto plástico, próximo a la escultura.
En algunos períodos, el dibujo es tan importante que el color se reduce a un complemento cuya supresión no resultaria decisiva: es lo que ocurre en la cerámica griega.
Al igual que el lenguaje, el dibujo puede ser fácil y suelto, académico, vigoroso, nervioso, o lánguido e incorrecto.
En última instancia traduce la personalidad del pintor y sería susceptible de un análisis grafológico.
Dos pintores del siglo XV italiano, el sereno Fra Angélico y el apasionado Boticelli, expresan sus personalidades con un dibujo suavísimo en el caso del primero o con líneas eléctricas en el arte botticelliano.
La vitalidad del dibujo se basa en cambios de grosor y en movimientos capaces de transmitirnos el pálpito de las cosas vivas, en este sentido:
- Las líneas verticales nos comunican efectos de fuerza.
- Las horizontales, quietud o reposo.
- Las diagonales, movimiento.
- Las curvas, gracia.

EL COLOR:
Naturalemtne es el componente esencial y definidor de la pintura. La gama cromática se ha clasificado en:
- Colores cálidos = Rojo, Naranja y Amarillo.
- Colores friós = Verde, Azúl y Violeta.
Los colores cálidos son intensos, vitales y se relacionan con el sol o con la luz solar y la alegría, mientras que los fríos son sedantes, apacibles, propios de las aguas y el mundo vegetal. No solo actúan sobre la sensibilidad sino que además contribuyen a modificar ópticamente el espacio, es decir:
- Los cálidos agrandan y acercan los objetos,
- Los fríos los distancias y empequeñecen.
Pero los colores no aparecen aislados ni en la naturaleza ni en el arte, y la sabiduría del pintor estriba en su capacidad para combinarlos. Con estos 6 colores, el pintor realiza toda suerte de combinaciones para conseguir los tonos o juega con las intensidades.
Señalar así mismo... que para que un color adquiera su máxima expresión necesita su complementario.

LA LUZ:
Si la luz blanca se descompone en los colores del arco iris al atravesar un prisma, es obvio que el pintor es capaz de obtener efectos luminosos con las combinaciones de colores y tonos. Así se convierte la luz en un elemento capital del cuadro.
Los grandes maestros, Velázquez, Rembrandt o Leonardo, han sido auténticos magos de la luz y de las sombras, porque aunque en la pintura plana no es necesaria la sombra, lo frecuente es que el cuadro sea una combinación de luces y sombras, cuya proporción depende del pintor. La sombra opaca del Caravaggio, el negro de asfalto, es distinta de la penumbra misteriosa de otros maestros.
Algo muy importante al analizar nuestro cuadro es saber de dónde viene la luz, lo que nos ayudará a determinar estos matices.

LA PROFUNDIDAD:
En sentido estricto, la pintura es un arte de 2 dimensiones, pero la obsesión por la captación óptica de la 3ª dimensión es una constante de su historia. El cuadro tiene un fondo, a vedes lejano, es decir:
- El fondo de oro de los bizantinos realza la distinción de las figuras.
- Las arquitecturas renacentistas contribuyen a la creación de volúmenes, en los que las figuras se mueven.
- La línea de horizonte bajo de los maestros barrocos de Holanda permite deslumbradores juegos de luces en cielos que ocupan buena parte de los cuadros.
- El renacimiento centró su preocupación en la perspectiva, es decir, con ella, el pintor salva la infranqueable condición de bidimensionalidad que le impone el lienzo y se adentra en el juego del espacio y del engaño óptico que supone el fingimiento de una dimensión no consustancial de al pintura.
- En el barroco se alcanza la perspectiva aérea, que consiste en proporcionar la sensación de aire entre los objetos próximos y alejados. Generalmetne, se consigue difuminando los colores y tonos de los objetos lejanos. Vermeer en su obra "Pintor en su taller" obtiene con la alternancia de zonas de luz y penumbra uno de los más poéticos efectos de profundidad del siglo XVII.

LA COMPOSICIÓN
En el cuadro nos encontramos con multitud de elementos: figuras, objetos, luces, sombras. El artista ha de establecer un orden sobre la tela y elegir el lugar que ha de ocupar cada elemento. Esa disposición de las partes, tan necesaria para el pintor como para el arquitecto, se denomina composición, y según sus características transmite al espectador serenidad oi inquietud.
La forma más sencilla de disposición consiste simplemente en colocar unas figuras al lado de otras, como hacen los bizantinos.
La composición yuxtapuesta es la ideal para resaltar la espiritualidad de las figuras.
Pero lo frecuente es disponer los elementos de manera más compleja, en cuadros de composición simétrica, coin dos mitadees aproximadamente iguales, o asimétrica o en el que predominen las horizontales o por el contrario las diagonales.

LA CONCEPCIÓN DEL TEMA
Finalmente decir que estamos ante un elemento que no es exclusivamente pictórico, pues todo creador concibe su obra de una manera peculiar, en la que se reflejan rasgos personales y de época. Es por ello que debe remarcarse la importancia de la época social en la que se realizó la obra así como la vida del autor, pues nos podrán decir muchos detalles de cómo veía él la vida para entender así su significado.